Gratitude

Here is Gratitude, a sculptural installation made in January 2021 at home in the Fraser valley in B.C.

The pandemic has been very difficult but it also made me appreciate what I have. My artist residency in Saskatoon last spring was postponed. Just before Christmas, I got an offer from the N.O. network to make an art project at home to replace the residency. Like a lot of people, I had to let go of an experience that I had dreamed of. After the initial disappointment I saw the opportunity to reinforce two of my commitments: make a new piece with recycled materials while letting go with joy.

My commitment to reduce the environmental impact of my art practice is growing. I now choose to work with what is around me, especially with discarded plastic and synthetic textiles. Working with what I have is becoming increasing important.

I have been using snow fence material for a few years. It becomes the warp for weaving various materials. For this new piece, I sorted through piles of fabric front past projects. This process gave me time to reflect and remember all the projects that were realized but also the ones that never had a chance to be shown or produced. 2020 was a year to take stock of what remained and what I had to let go. I made 267 meters of ribbon out of the fabric remnants for weaving. Making something new out of something old is at the heart of many craft traditions from all over the world. Such is the case for the quilting, basketry and rag rugs of my native Quebec. I now live on the traditional territory of the Stó-lò people, surrounded by huge cedars. I often think about the beautiful indigenous woven cedar bark baskets. I am inspired by that beautiful design.

For two weeks, I worked on seven woven sections. It was very satisfying, knowing that any fragment has a chance to come back to life in a new form.  After the production, I chose four sites to install the sculpture: in the woods, on a construction site, wrapping trees in a park and back at home for an installation with light at night. This is only the beginning. Gratitude will probably be shown in my region this and hopefully beyond in the future, as soon as it is possible. I welcome all opportunities.

Gratitude was made possible thanks to <<Contextualisation>>, an initiative of the N.O. network; a coalition of francophone artists centres in western and northern Canada. I am grateful for their persistence and adaptation to the challenges unique to 2020 and 2021. Thank you also to Heritage Canada for its financial support.

Voici Gratitude, une œuvre récente faite chez moi  dans la vallée du Fraser en Colombie-Britannique.

 La pandémie m’a mis des bâtons dans les roues mais m’a aussi appris à apprécier ce que j’ai. Ma résidence d’artiste qui devait avoir lieu à Saskatoon au printemps 2020 avait été remise au printemps 2021. Pourtant, juste avant Noël, le réseau N.O. m’offre de faire une œuvre dans mon lieu de vie au lieu du projet initial. Comme bien des gens, j’ai dû faire le deuil d’une expérience qui me tenait à cœur. Cependant, j’y ai  vite vu  la chance de renforcer deux de mes engagements : faire une nouvelle œuvre avec des matériaux recyclés et lâcher prise dans la joie.

Mon engagement pour la réduction de l’impact écologique de ma pratique artistique continue. Je choisis de travailler avec ce qui m’entoure : en particulier avec les rebus de plastiques et le textile synthétique récupéré. Travailler avec ce que j’ai devient de plus en plus important.

J’utilise la clôture à neige depuis quelques années. Elle devient la trame pour y tisser des matières diverses. Je me suis donc mise à trier des tas de retailles de tissu provenant de projets passés. C’est un processus qui donne le temps de réfléchir aux projets qui ont vu le jour mais aussi à tous ce qui n’a jamais pu être réalisé ou diffusé. 2020 est une année pour faire le point et  laisser partir bien des choses. J’ai fait 267 mètres de rubans pour tisser. ‘’Faire du neuf avec du vieux’’ est au cœur de bien des formes d’artisanat de ma culture québécoise, comme la courtepointe et la catalogne. Le tissage et la vannerie font aussi partie  de toutes les cultures depuis des millénaires. Je vie sur le territoire Stó-lò où les grands cèdres m’entourent. Je pense aux magnifiques paniers d’écorce. Tout cela influence ma façon de travailler. J’y puise la beauté du design et la force des métaphores.

Pendant deux semaines j’ai fait sept sections tissées, jusqu’à ce que tous mes tissus préférés soient réutilisés. Cet exercice est très satisfaisant. Un fragment peut toujours renaître sous une nouvelle forme. Une fois la production terminée, j’ai choisi quatre sites pour l’installation sculpturale : en forêt, sur un chantier de construction, dans un parc et sur mon terrain la nuit. Ceci n’est qu’un début. Gratitude sera probablement installée de façon temporaire dans des évènements de ma région cet été. Il me fera aussi très plaisir de faire voyager l’œuvre dès que possible. Avis aux intéressés!

Gratitude a vu le jour grâce à ‘’Contextualisation’’, une initiative du Réseau N.O., le regroupement de centre d’artiste du Nord et de l’Ouest Canadien. Je remercie l’équipe de pilotage de N.O pour sa persistance et capacité d’adaptation en 2020-2021. Merci aussi à Patrimoine canadien pour le soutien financier.

Art in the Time of Pandemic

The spring of 2020 is like no other spring.

 Days after turning 60, scheduled projects disappeared and the world became much smaller. With my compulsive nature, I created new projects to keep myself busy.  Things were going to change anyways with an upcoming move of home and studio.  I was already thinking about letting go of certain things in my career. Little did I know that I was soon going to “walk the talk”. For a long time, I have been dreaming of travelling with my sculptural installations. The designer in me is constantly tinkering with ideas of folding structures for textile sculptures.  I want to make more wind activated sculptures and the idea of recycling works from previous installations for it makes sense to me. However, I have serious doubts and fears that the public engagement part of this work will be seriously altered, if not completely eliminated.

One cannot ignore the facts: sculpture is seen not an easy art form. Showing, moving, storing and selling sculpture is difficult. I have to be as creative addressing this reality as creating the art.

Nothing makes me sadder than looking at boxes containing artworks that do not get a chance to live. For me, it is not enough to make a piece. I want it to have a life after the studio, to go in the world. It is also a responsibility. I have to be the advocate for my art, long after it leaves. My career is a succession of attempts to make this happen, relevant to the context that I live in and my needs: need of expression, reflection, participation in issues of our lives, self-worth, sharing with others, etc.

Even if it is difficult, I am grateful for the reflection that is imposed on all of us due to the pandemic. There are many things to examine regarding the way we live together on this planet. We have to be present and see the future at the same time, just like a farmer plowing a field. If he cannot do both (look down and ahead at the same time) the future crops will be a mess. I have spent more years in the country than in my native city now and take comfort in the wisdom of farmers: pragmatism and hope.

A word about the photos: “Sumas Lake, 22 Miles of Memories”, was realized with the financial help of a Canada Council for the Arts grant 20 years ago. This amphibian sculptural installation was a tribute to the now disappeared lake in the Fraser valley. One of western Canada’s important wetland, it was dried-up in the 1920’s. I lived in Greendale at the time of making this piece, knowing that water once covered our property.

It took two months before I got to the box in the attic where all the umbrellas are stored. For better or for worse, I am choosing to give it a second life. The grounds light sculptures are climbing on walls. Let me know what you think. There are a lot of possibilities for these components.  They can be show and/sold individually or in groups.

If you want your own umbrella: http://www.lsclight.net/shop

Le printemps de 2020 est du jamais vu.

Peu après mes 60 ans en mars, tous mes projets prévus disparurent. Le monde devint plus petit. Ma nature compulsive me poussa à entreprendre beaucoup de projets pour combler le vide. Une réflexion nécessaire à la veille de grands changements (déménagement, vente de l’entreprise familiale) était déjà entamée. J’allais faire des choix et trier pour décider ce qu’il fallait laisser partir.  J’ignorais pourtant à quel point cet exercice allait devenir essentiel.  Depuis longtemps, je rêvais de partir en voyage avec mes installations sculpturales. La designer en moi était en constante cogitation, imaginant de nouvelles structures pour œuvres pliantes. Je veux faire de nouvelles sculptures éoliennes en textile. L’idée de recycler d’anciennes œuvres pour ceci me plait et me semble particulièrement  pertinente.  J’ai pourtant maintenant de sérieux doutes quant à la partie consacrée à la participation du public. Ceci est presque toujours essentiel aux demandes de financement.  A ce jour, c’est l’inconnu. Travailler de façon tactile à proximité des gens est impossible pour le moment.  La demande est grande pour les activités virtuelles.

Nul ne peut ignorer les faits : la sculpture n’est pas facile. Exposer, expédier, entreposer et vendre la sculpture sont des choses difficiles. Je dois être aussi créative pour cela que pour la concevoir mes pièces.

Rien ne me rend plus triste que de voir mes sculptures dans des boîtes. Pour moi, la création n’est pas suffisante. J’en suis responsable et cherche toujours  pour elles une vie au grand jour. Ma carrière est une succession de tentatives pour combler mes divers besoins d’expression, réflexion, participation à la vie en société, soin de l’estime de soi, etc.

Bien que ce soit difficile,  j’apprécie l’intermède propice à la réflexion qu’apporte la pandémie. Nous devons  tous chercher de nouvelles façons de vivre ensemble sur  cette planète. Plus que jamais, il faut tendre à l’équilibre entre la vie au présent et  la projection en avant. Comme le fermier au labour, on doit garder un œil sur le sillon et un autre sur l’horizon, sinon les cultures seront un échec. Après tant d’années de vie en milieu rural, je trouve le mélange de pragmatisme et d’espoir des agriculteurs réconfortant.

Un mot à propos des photos : ‘’ Sumas : 22 miles de souvenirs’’ était une installation sculpturale amphibie réalisée grâce à une subvention conseil des arts du Canada il y a vingt ans. Ce lac était l’un des plus important marais de l’ouest du pays et fut asséché aux environs des années 1920. J’ai voulu rendre hommage à ce milieu. A l’époque de de la réalisation de ce projet, je vivais à Greendale sur une propriété qui aurait été sous l’eau au début du 20ème siècle.

Après deux mois de travail fébrile, j’ouvre la boîte contenant les douzaines de parapluies  entreposés au grenier. Pour le meilleur ou pour le pire, je choisi maintenant de leur donner une nouvelle vie. Les sculptures lumineuses au sol montent sur les murs. Il y a plein de possibilités.  Les composantes peuvent être exposées ou être vendus,  individuellement ou en groupe. Qu’en pensez-vous?

Si vous voulez votre propre parapluie: http://www.lsclight.net/shop

Heart on Her Sleeve, Shirt off Her back

March 15 2019

Heart on her Sleeve, Shirt off her Back 2019 21’’ x 8 1/2’’ x 8 1/2’’ Welded Wire, polyester shirt, photocopy on acetate, ink and light.

It is always hard to go back to normal after an exhibition, especially if it was an important solo project. “Whole” has come and gone. Almost all the sculptures are back in their boxes, waiting for an uncertain future. As I ponder about what to do with all my large pieces, I am continuing a series of small house-shaped light sculptures. Two of them were is the recent show and I had the intention of making at least six more.

A few weeks ago, I opened a small book that has been on a shelf for a long time. “Encyclopédie des ouvrages de dames’’ belonged to my maternal grandmother. I now know that the needlework tradition was passed down for generations. My great-grandmother, Marguerite Fort, was born in France in 1892. She had her own small sewing business in Toulouse. Her daughter Andrée was born in the same town in 1912. She married young and move to Canada where sewing became a very useful skill in her family life. I think that it was also an outlet for her creativity and independence.

A best seller in its time, Thérèse de Dillmont’s book was written in French in 1886 and translated in four languages. It is full of technical information for every form of needlework.

For the little blue house, I started with a shirt, found in a thrift shop nearby. The fabric was stretched on the 8 welded wire frames that form the house shape. I then decided to make a collage of different black and whites images found in the book, print them on acetate and sew them on the fabric. Working around the seams and buttonholes of the garment, I experimented with different stitches and patterns, playfully burning out the fabric to mirror some of the “proper” illustrated designs.

The play on words was irresistible. “She had her heart on her sleeve” and “could have given you the shirt off her back”, would describe my grandmother. In French it would be said that she had “le coeur sur la main”.  Done for love and necessity, most women’s work was unrecognized in pass centuries. The evolution is still underway. I was thinking about that while stitching, wanting to thank generations of women before me.

Needlework takes time. It allows the mind to travel while the hands are busy. Whether one knows where to go or not, it can be figured out, one stitch at a time.

If you can think about the past life of a woman in Canada who could have had a little more light shining on her, let me know. I would like to hear why she means so much to you. There may be more little light houses coming to life in the future because, as they say, it takes a village.

Le coeur sur la main

Après une exposition, je suis toujours dans un drôle d’état, surtout quand il s’agit d’un projet de grande envergure. L’exposition <<Whole>> est terminée. Presque toutes mes sculptures sont retournées dans leurs boîtes en attente d’un futur incertain. Je poursuis en ce moment, une série de petites sculptures lumineuses, tout en réfléchissant à ce que je pourrai faire de toutes mes grandes pièces.

Il y a quelques semaines, j’ai redécouvert l’Encyclopédie des ouvrages de dames, un petit livre qui appartenait à ma grand-mère maternelle. Je sais maintenant que l’amour du travail à l’aiguille m’a été transmis par les générations précédentes. Marguerite Fort, mon arrière-grand’mère, naquit à Toulouse en 1892 où elle avait son propre commerce de couture. Sa fille Andrée, ma grand’mère, vit le jour dans la même ville en 1912. Elle se maria jeune, et partit pour le Canada. La couture prit beaucoup de place dans sa vie familiale. C’était par utilité mais aussi pour créer, relever des défis et établir son indépendance.

Le livre de Thérèse de Dillmont eu beaucoup de succès dès sa parution en 1886 et fut traduit en quatre autres langues. Il est rempli d’informations techniques et de gravures illustrant toutes sortes de travaux à l’aiguille.

J’ai fabriqué la petite maison bleue à partir d’une chemise récupérée. Le tissu est tendu sur les huit cadres de fil de fer soudé qui font partie de l’armature. Ensuite sont venues les photocopies des gravures en noir et blanc que je cousu sur le tissu. J’ai fait une sorte de collage en tenant compte des détails des coutures et des boutonnières. Je me suis amusée à faire de trous dans le tissu pour imiter les dentelles des ouvrages illustrés.

En anglais et en français, les jeux de mots sont irrésistibles.  <<Avoir le cœur sur la main>> illustre bien la générosité de ma grand’mère. Je pensais bien à elle en travaillant.  Je remercie aussi les générations de femmes dont le travail n’a pas été reconnu à sa juste valeur.

Le travail à l’aiguille prend du temps. Il permet à l’esprit de voyager pendant qu’on se pose des questions et qu’on cherche des solutions.

Si vous connaissez une femme, maintenant disparue et ayant vécu au Canada, sur laquelle vous voudriez que la lumière brille, dites-le moi. J’aimerais la connaître. Il y aura peut-être quelques maisons de plus dans mon village de maisons lumineuses.

Hiatus

(texte français ci-dessous)

Six months ago, I decided to take time off from the juggling act of handling the many different streams of my art practice to perhaps make choices. I also wanted to find fresh ways to address environmental issues while working in a large format.

The challenge for an artist working in sculpture is to constantly be thinking of the physical context of the work. Where is it going to go? How much will it cost to produce? How would it travel? How can it fit in the exhibiting context? This is added to the already full list of self-imposed criteria. Pursuing my journey in exploration of nature, discovering ways to work in a large format, integrating text and graphics in textiles are only a few things on that list.

There are also a lot of questions that come as I get older. I wanted to let go, if only for a while, of the small works and light boxes to work exclusively on sculptural installations. More importantly, I had to revisit my commitment to the environment in my work. I felt the weight of the topic of climate change and wanted to get a more personal connection to the issues.

Suddenly, a healing memory resurfaced: the image of a canoe ride on a lake with my father, on a perfectly still lake in the fall. Not only did it become the anchor needed to build a new series, it also explained my fascination for the use of mirror image in my compositions in the last fifteen years.

Trusting the process, I let myself work with it, hoping that many other pieces of the creative puzzle would come together. I surrendered myself to the playful work of textiles, enjoying all the steps, from sourcing used garments in thrift stores to sewing buttons and piercing patterns for hours. Bit by bit, it all came together.

“Lac Sainte-Marie” became the first and largest of a series of three 3D textile pieces. This 11 panel installation has a variable geometry, the preferred one being an 8’ circle in the middle of the room. On one side there is a blue forest and on the other the perfect reflection of a lake in the Laurentians.

 Then, I pursued with “Vanishing Ice”, a 6 panel installation set in a wave formation. Here, I used all the graphic research of a previous installation of the same name. I used the mirror-image of iconic glaciers as tattoo-like marks on female silhouettes. This made the issue of climate change more personal for me than in its previous incarnation.

Finally, “Elements” came about. This smaller 4 panel piece is the combination of an advanced decorative use of pattern in fabric burning and the female form. Always playing with the negative space in my composition, I used triangle shapes appearing between the straight and folded legs of the figures. They represent air, water and land, encasing life forms as pierced patterns in fabric. The endangered barn swallow and threatened Pacific salmon are filling the two top figures. Cedar bows fill the bottom figure, symbolizing the earth.

Taking the time to do a large body of work without funding or promise of exhibition is an absolute privilege, one the many privileges that I have.

For better or for worse, my art practice comes from a life where no trauma, personal, generational or historical, has taken place. I am keenly aware of this fact as I progress in art and the balance of representation in contemporary art is shifting. If I get a chance to share my art in the future, my voice should be only one in the chorus of the multitude whose time has come to be heard.

Il y a six mois, je pris une pause pour remettre en question l’ensemble des nombreux aspects de ma pratique artistique. L’équilibre était à revoir. Certains  choix seraient peut-être à faire. Je voulais aussi trouver de nouvelles façons d’aborder les questions environnementales tout en travaillant en grand format.

Le défi en sculpture est de de toujours avoir à considérer le contexte physique de l’œuvre (lieu de diffusion, coût, transport) avant même de pouvoir créer. Cela s’ajoute à la longue liste de contraintes que je m’impose tel que la poursuite d’une démarche de recherche sur le thème de la nature, l’intégration de texte et graphisme en textile et le travail en format architectural.

Avec l’âge, vient le questionnement. Heureusement, mettre de côté certaines choses, quitte à les reprendre plus tard, vient naturellement. Je décidai de laisser les petites pièces et les boîtes lumineuses temporairement pour me consacrer exclusivement à l’installation sculpturale. Je dus aussi évaluer mon engagement avec les questions environnementales dans mon travail artistique. Je sentais le poids du sujet et cherchais instinctivement une façon plus personnelle d’aborder les changements climatiques. Tout d’un coup, une image, issue d’un souvenir apparut. Je me revoyais, il y a bien longtemps, en canot sur un lac tranquille à l’automne avec mon père. Cette image refaisant surface devint l’ancre qui me permit de me mettre au travail. De plus, je compris d’où venait ma fascination pour l’image miroir.

Je me suis donc laissé porter par le processus créatif, espérant que le casse-tête se réalise. Je m’abandonnai au jeu du travail du tissu, savourant chaque étape du processus. Tout fut un plaisir, des visites dans les friperies jusqu’aux longues heures passées à assembler et perforer les pièces de vêtements récupérés.

Lac Sainte-Marie fut la première œuvre. Cette grande pièce de 11 panneaux a une géométrie variable, le cercle étant ici ma configuration préférée. D’un côté une forêt bleue, de l’autre le lac des Laurentides qui fut la source du souvenir révélateur.

Vint ensuite Glaces en fuite, une pièce de 6 panneaux en forme de vague. J’utilisai  toute la recherche graphique d’un projet passé du même nom. L’image miroir de grands glaciers couvrait comme des tatouages, des silhouettes féminines. Cela rendit pour moi le propos sur les changements climatiques plus personnel qu’auparavant.

Enfin, apparut Éléments. Cette pièce de 4 panneaux est le résultat d’un usage poussé de graphisme et de motifs sur tissu brûlé ainsi que de l’utilisation de la forme du corps. Cette œuvre représente les trois éléments naturels, soit l’air, l’eau et la terre. On y trouve trois silhouettes, chacune comportant un triangle créé par l’espace négatif entre la jambe pliée et la jambe droite. Il y a deux espèces menacées, l’hirondelle rustique et le saumon du Pacifique dans les deux silhouettes du haut. Des motifs de feuillage de cèdre remplissent le corps du bas représentant la terre.

Prendre le temps de créer un grand projet sans subvention ou promesse d’exposition est un des nombreux privilèges dont je bénéficie.

Ma pratique artistique est le produit d’une vie sans traumatisme, que ce soit d’ordre personnel, générationnel, culturel ou historique. Enfin, la représentation et participation de divers groupes change sur la scène artistique. Si j’ai la chance de diffuser mon art à l’avenir, je souhaite que ma voix ne soit qu’une parmi toutes celles qui méritent vraiment d’être entendues.

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Have Art: WillTravel!

Welcome you to my new website! Change is in the air.  In the spirit of innovation and renovation, here are a few new things this spring:

The complete selection of small format light sculptures for windows: Choose an existing design or have one created specially for you.  At $60 each, they make great gifts that can be mailed to you.

I am making the transition to LED technology with the light boxes.  Experimentation is in progress and I will be sharing images soon.

With the installations, my commitment to environmental issues continues. “Vanishing Ice” is my second series about climate change since “Hot Spot” (see photos and texts in the gallery section). I am now only using recycled materials for all my sculptural installations. Being passionate about light, I always use translucent materials in combination with electrical or natural light. Now, “light” also means “lightweight”, as I will continue to develop new ways to make large foldable pieces that can travel. I have been dreaming about exhibiting abroad and have the goal of doing it within five years.

This month I also finished a community-based public art temporary installation on a fence in downtown Chilliwack. This series of giant welded wire and fabric flowers brings awareness about mental health just in time for Mental Health Week, May 4-10. Come and see it before mid-July or look at the statement, photos and media links in the gallery section of the website.  I found the experience very enriching and intend to present ideas locally for future projects. Shining a light on groups and issues that deserve attention while stimulating the creation of public art in our community is an exciting challenge.

Art en mouvement

 Bienvenue à mon nouveau site internet! Un vent de nouveauté souffle sur mes créations. Voici quelques nouvelles printannières :

Voyez la série complète de sculptures lumineuses pour fenêtre (petit format). Choisissez un modèle proposé ou bien passez une commande spéciale pour $60 chaque. 

J'expérimente en ce moment pour faire la transition vers l'éclairage de type LED dans mes boîtes lumineuses.

Pour ce qui est des installations, mon engagement quant aux questions environnementales se poursuit. "Glaces en fuite" est ma deuxième série sur le changement climatique depuis "Hot Spot". (voir texte et photos) J’utilise maintenant des matériaux de récupération pour toutes mes installations. Passionnée par la lumière, j’utilise toujours des matières translucides avec la lumière artificielle ou la lumière du jour. Maintenant, le poids de mes œuvres est aussi un facteur important. Les nouvelles pièces sont légères, pliables et faciles à transporter. J'ai envie depuis longtemps d’exposer à l'étranger et espère réaliser ce rêve bientôt.

Enfin, je viens d'installer ''Wheels of Change'', un projet temporaire communautaire d'art public sur la santé mentale, juste à temps pour la semaine du même nom, du 4 au 10 mai 2015.  Il s’agit d’une série de fleurs géantes de tissu  et fil de fer soudé  qui sont attachées à une clôture au centre-ville de Chilliwack (voir articles dans la rubrique ''public art:'').  Ce fut une expérience enrichissante que j’ai l’intention de répéter avec d’autres sujets. J’aime mettre en valeur des causes et organismes mal connus, tout en faisant la promotion de l’art public. C’est tout un défi dans ma communauté.