Gratitude

Here is Gratitude, a sculptural installation made in January 2021 at home in the Fraser valley in B.C.

The pandemic has been very difficult but it also made me appreciate what I have. My artist residency in Saskatoon last spring was postponed. Just before Christmas, I got an offer from the N.O. network to make an art project at home to replace the residency. Like a lot of people, I had to let go of an experience that I had dreamed of. After the initial disappointment I saw the opportunity to reinforce two of my commitments: make a new piece with recycled materials while letting go with joy.

My commitment to reduce the environmental impact of my art practice is growing. I now choose to work with what is around me, especially with discarded plastic and synthetic textiles. Working with what I have is becoming increasing important.

I have been using snow fence material for a few years. It becomes the warp for weaving various materials. For this new piece, I sorted through piles of fabric front past projects. This process gave me time to reflect and remember all the projects that were realized but also the ones that never had a chance to be shown or produced. 2020 was a year to take stock of what remained and what I had to let go. I made 267 meters of ribbon out of the fabric remnants for weaving. Making something new out of something old is at the heart of many craft traditions from all over the world. Such is the case for the quilting, basketry and rag rugs of my native Quebec. I now live on the traditional territory of the Stó-lò people, surrounded by huge cedars. I often think about the beautiful indigenous woven cedar bark baskets. I am inspired by that beautiful design.

For two weeks, I worked on seven woven sections. It was very satisfying, knowing that any fragment has a chance to come back to life in a new form.  After the production, I chose four sites to install the sculpture: in the woods, on a construction site, wrapping trees in a park and back at home for an installation with light at night. This is only the beginning. Gratitude will probably be shown in my region this and hopefully beyond in the future, as soon as it is possible. I welcome all opportunities.

Gratitude was made possible thanks to <<Contextualisation>>, an initiative of the N.O. network; a coalition of francophone artists centres in western and northern Canada. I am grateful for their persistence and adaptation to the challenges unique to 2020 and 2021. Thank you also to Heritage Canada for its financial support.

GRATITUDE

26 janvier 2021

Voici GRATITUDE, une œuvre récente créée chez moi, dans la vallée du Fraser en Colombie-Britannique.

La pandémie a ralenti mes projets en cours, mais m’a aussi appris à estimer la valeur de ce que je possède. Ma résidence d’artiste, qui devait se tenir à Saskatoon au printemps 2020, a été reportée au printemps 2021. Heureusement, juste avant Noël, le Réseau N.O. (Regroupement des centres d'artistes francophones et d'autres organisations similaires du Nord et de l’Ouest) me proposa une alternative, il m’offrit d’imaginer une œuvre dans mon lieu de vie au lieu du projet initial. Comme bien des gens, j’ai dû faire le deuil d’une expérience qui me tenait à cœur. Mais qu’à cela ne tienne, j’y ai vite vu la chance de renforcer deux de mes engagements; concevoir une nouvelle œuvre avec des matériaux recyclés et lâcher prise dans la joie.

Mon engagement écologique, plus précisément pour la réduction des déchets, est au cœur de ma pratique artistique depuis longtemps. Je choisis de travailler avec ce qui m’entoure, en particulier avec les rebuts de plastiques et le textile synthétique récupéré. Le recyclage m’inspire et revêt une grande importance à mes yeux.

J’utilise notamment la clôture à neige depuis quelques années. Elle devient la trame de base pour y tisser des matières diverses. Je me suis donc mise à trier des retailles de tissu de projets passés. J’ai produit 267 mètres de rubans ! Le triage et le tissage sont des activités qui offrent des moments de réflexion autant aux projets qui ont vu le jour qu’à ceux en gestation. L’année 2020 a été l’occasion de faire le bilan.

Faire du neuf avec du vieux (1) est une maxime omniprésente dans diverses formes d’artisanat québécois, telles que la courtepointe et la catalogne. Le tissage et le vannage sont présents dans toutes les civilisations depuis des millénaires. J’habite sur le territoire Stó:lō (2), entouré de majestueux cèdres. Les magnifiques paniers d’écorce de cèdre influencent ma façon de travailler. J’y puise la beauté du design et la force des métaphores.

Pendant deux semaines, j’ai tissé sept sections jusqu’à épuisement de mes tissus. Tisser est très satisfaisant. Le fragment d’une œuvre passée peut renaître sous une nouvelle forme insérée dans une œuvre récente. Une fois la production terminée, j’ai choisi quatre sites d’installation sculpturale : en forêt, sur un chantier de construction, dans un parc et sur mon terrain la nuit. Et ce n’est qu’un début ! L’installation itinérante de GRATITUDE est envisagée dans plusieurs manifestations estivales de ma région. Je serais enchantée de poursuivre la diffusion de l’œuvre. Avis aux intéressés !

L’idée de GRATITUDE est née de « Contextualisation », une initiative du Réseau N.O. Ce dernier est un regroupement d’artistes francophones du Nord et de l’Ouest du Canada (Yukon, Colombie-Britannique, Saskatchewan, Manitoba, Alberta). Je remercie l’équipe de pilotage du Réseau N.O. pour sa persistance et sa capacité d’adaptation en 2020-2021. Je tiens également à remercier le ministère du Patrimoine canadien pour son appui financier.

1 Esthétique et écologie : Faire du neuf avec du vieux est une approche à la fois esthétique, qui permet de marier l’ancien et le contemporain, et écoresponsable, en favorisant la durabilité et en luttant contre le gaspillage.

2 Les Stó:lō sont un peuple autochtone d'Amérique du Nord présent dans la région de la vallée du fleuve Fraser en Colombie-Britannique au Canada. Leur langue traditionnelle est le halq'eméylem, un dialecte du halkomelem, une langue salish, où Stó:lō désigne le fleuve Fraser.

Art in the Time of Pandemic

The spring of 2020 is like no other spring.

 Days after turning 60, scheduled projects disappeared and the world became much smaller. With my compulsive nature, I created new projects to keep myself busy.  Things were going to change anyways with an upcoming move of home and studio.  I was already thinking about letting go of certain things in my career. Little did I know that I was soon going to “walk the talk”. For a long time, I have been dreaming of travelling with my sculptural installations. The designer in me is constantly tinkering with ideas of folding structures for textile sculptures.  I want to make more wind activated sculptures and the idea of recycling works from previous installations for it makes sense to me. However, I have serious doubts and fears that the public engagement part of this work will be seriously altered, if not completely eliminated.

One cannot ignore the facts: sculpture is seen not an easy art form. Showing, moving, storing and selling sculpture is difficult. I have to be as creative addressing this reality as creating the art.

Nothing makes me sadder than looking at boxes containing artworks that do not get a chance to live. For me, it is not enough to make a piece. I want it to have a life after the studio, to go in the world. It is also a responsibility. I have to be the advocate for my art, long after it leaves. My career is a succession of attempts to make this happen, relevant to the context that I live in and my needs: need of expression, reflection, participation in issues of our lives, self-worth, sharing with others, etc.

Even if it is difficult, I am grateful for the reflection that is imposed on all of us due to the pandemic. There are many things to examine regarding the way we live together on this planet. We have to be present and see the future at the same time, just like a farmer plowing a field. If he cannot do both (look down and ahead at the same time) the future crops will be a mess. I have spent more years in the country than in my native city now and take comfort in the wisdom of farmers: pragmatism and hope.

A word about the photos: “Sumas Lake, 22 Miles of Memories”, was realized with the financial help of a Canada Council for the Arts grant 20 years ago. This amphibian sculptural installation was a tribute to the now disappeared lake in the Fraser valley. One of western Canada’s important wetland, it was dried-up in the 1920’s. I lived in Greendale at the time of making this piece, knowing that water once covered our property.

It took two months before I got to the box in the attic where all the umbrellas are stored. For better or for worse, I am choosing to give it a second life. The grounds light sculptures are climbing on walls. Let me know what you think. There are a lot of possibilities for these components.  They can be show and/sold individually or in groups.

If you want your own umbrella: http://www.lsclight.net/shop

L’ART AU TEMPS DE LA PANDÉMIE.

Le printemps de 2020 est sans précédent.

24 mai 2020

À l’aube de mes 60 ans, tous mes projets planifiés se sont volatilisés et le monde est devenu plus petit. Ma nature compulsive me poussa à entreprendre beaucoup de projets pour combler le vide du confinement pandémique. Une réflexion était nécessaire à la veille de grands changements, dont un déménagement et la vente de l’entreprise familiale. Je devais faire le tri pour choisir ce qui devait partir. Je ne savais pas à quel point cet exercice allait s’avérer essentiel. Depuis longtemps, je rêvais de voyager avec mes installations sculpturales. La designer en moi était constamment en train de cogiter et d’imaginer de nouvelles structures pour créer des œuvres pliantes afin qu’elles soient transportables. Je veux inventer de nouvelles sculptures éoliennes en textile. L’idée de recycler d’anciennes œuvres pour ce projet me plait et me semble pertinente et durable. Bien que je sois convaincue de l’importance de la participation du public, je suis actuellement très sceptique quant à la faisabilité d’une telle démarche. Cette exigence est presque toujours incluse dans les demandes de financement, mais, en ce moment, c’est un véritable mystère. Il est impossible de travailler de manière tactile près des gens en raison des mesures sanitaires en vigueur. Les demandes doivent se concentrer sur des activités en ligne.

Il est indéniable que la sculpture est un médium difficile à manier. Que ce soit pour l’exposition, le transport, le stockage ou la vente d’une œuvre, chaque étape nécessite une grande créativité de ma part, tout comme la conception de l’œuvre elle-même.

Rien ne me rend plus triste que de voir mes sculptures dormir dans des boîtes. Pour moi, la création n’est pas suffisante. Je suis responsable de mes œuvres et je leur cherche toujours une vie au grand jour. Ma carrière est une succession de tentatives pour combler mes divers besoins d’expression, de réflexion et de participation à la vie en société. Je le fais aussi pour prendre soin de mon estime personnelle.

Bien que la pandémie soit difficile, je suis reconnaissante pour l’intermède propice à la réflexion qu’elle m’apporte. Nous devons tous chercher de nouvelles façons de vivre ensemble sur cette planète. Plus que jamais, il faut tendre à l’équilibre entre le présent et le futur. Comme le fermier au labour, on doit garder un œil sur le sillon et un autre sur l’horizon, sinon les cultures seront vouées à l’échec. Après tant d’années de vie en milieu rural, je trouve le mélange de pragmatisme et d’espoir des agriculteurs réconfortant.

Un mot à propos des photographies de SUMAS (3): 22 MILES DE SOUVENIRS. Ce projet était une installation sculpturale amphibie réalisée il y a vingt ans grâce à une subvention du Conseil des arts du Canada. Le lac Sumas était l’un des plus importants marais de l’ouest du pays et fut asséché aux environs des années 1920. J’ai voulu rendre hommage à ce milieu. À l’époque de la conception de ce projet, j’habitais à Greendale sur un terrain qui aurait été inondé au début du 20e siècle.

Après deux mois de travail fébrile, je déballe la boîte contenant les douzaines de parapluies entreposés au grenier. Pour le meilleur ou pour le pire, je décide de leur donner une nouvelle vie. Les sculptures lumineuses qui étaient au sol montent sur les murs ! Je suis inspirée par leur durabilité et leur potentiel. Les composantes peuvent être exposées ou vendues, individuellement ou en groupe.

3 Le lac Sumas était un grand lac d'eau douce peu profond situé dans la vallée du Fraser, en Colombie-Britannique, entre les villes actuelles d'Abbotsford et de Chilliwack. Il a été asséché artificiellement dans les années 1920 afin de créer des terres agricoles connues sous le nom de Sumas Prairie.

Heart on Her Sleeve, Shirt off Her back

March 15 2019

Heart on her Sleeve, Shirt off her Back 2019 21’’ x 8 1/2’’ x 8 1/2’’ Welded Wire, polyester shirt, photocopy on acetate, ink and light.

It is always hard to go back to normal after an exhibition, especially if it was an important solo project. “Whole” has come and gone. Almost all the sculptures are back in their boxes, waiting for an uncertain future. As I ponder about what to do with all my large pieces, I am continuing a series of small house-shaped light sculptures. Two of them were is the recent show and I had the intention of making at least six more.

A few weeks ago, I opened a small book that has been on a shelf for a long time. “Encyclopédie des ouvrages de dames’’ belonged to my maternal grandmother. I now know that the needlework tradition was passed down for generations. My great-grandmother, Marguerite Fort, was born in France in 1892. She had her own small sewing business in Toulouse. Her daughter Andrée was born in the same town in 1912. She married young and move to Canada where sewing became a very useful skill in her family life. I think that it was also an outlet for her creativity and independence.

A best seller in its time, Thérèse de Dillmont’s book was written in French in 1886 and translated in four languages. It is full of technical information for every form of needlework.

For the little blue house, I started with a shirt, found in a thrift shop nearby. The fabric was stretched on the 8 welded wire frames that form the house shape. I then decided to make a collage of different black and whites images found in the book, print them on acetate and sew them on the fabric. Working around the seams and buttonholes of the garment, I experimented with different stitches and patterns, playfully burning out the fabric to mirror some of the “proper” illustrated designs.

The play on words was irresistible. “She had her heart on her sleeve” and “could have given you the shirt off her back”, would describe my grandmother. In French it would be said that she had “le coeur sur la main”.  Done for love and necessity, most women’s work was unrecognized in pass centuries. The evolution is still underway. I was thinking about that while stitching, wanting to thank generations of women before me.

Needlework takes time. It allows the mind to travel while the hands are busy. Whether one knows where to go or not, it can be figured out, one stitch at a time.

If you can think about the past life of a woman in Canada who could have had a little more light shining on her, let me know. I would like to hear why she means so much to you. There may be more little light houses coming to life in the future because, as they say, it takes a village.

Le cœur sur la main

15 mars 2019

Après avoir terminé un projet, je suis toujours dans un drôle d’état, surtout s’il s’agit d’une œuvre d’envergure en mode solo. L’exposition WHOLE est terminée. Presque toutes mes sculptures sont retournées dans leurs boîtes en attente d’un possible futur. Actuellement, je travaille sur une série de petites sculptures lumineuses, tout en réfléchissant à ce que je pourrais faire de mes grandes pièces.

Il y a quelques semaines, j’ai redécouvert l’« Encyclopédie des ouvrages de dames », un petit livre qui appartenait à ma grand-mère maternelle. Maintenant, je sais d’où vient mon amour pour le travail à l’aiguille, il m’a été transmis de mère en fille. Marguerite Fort, mon arrière-grand-mère, naquit à Toulouse en France en 1892, où elle a bâti son commerce de couture. Sa fille Andrée, ma grand-mère, vit le jour dans la même ville en 1912. Elle se maria jeune, et partit pour le Canada. La couture prit beaucoup de place dans sa vie familiale. Évidemment, c’était par nécessité, mais aussi pour créer, relever des défis et gagner en indépendance.

Succès de librairie à son époque, l’« Encyclopédie des ouvrages de dames » de Thérèse de Dillmont a été écrit en français en 1886 et traduit en dix-sept langues. Il regorge d’informations techniques sur toutes les formes de travaux d’aiguille.

Cette aventure a débuté avec la petite maison bleue. J’ai commencé par trouver une chemise dans une boutique d’occasion à proximité. Le tissu est tendu sur les huit cadres de fil de fer soudé qui forment l’armature. J’ai ensuite réalisé un collage à partir de différentes images en noir et blanc trouvées dans le livre. Ultérieurement, je les ai imprimées sur de l’acétate et les ai cousues sur le tissu.

Le travail à l’aiguille prend du temps. Il permet à l’esprit de voyager pendant que les mains sont occupées. Que l’on sache où l’on va ou non, on peut le découvrir, un point après l’autre.

Que ce soit en anglais ou en français, les jeux de mots sont tout simplement irrésistibles. L’expression Avoir le cœur sur la main, exprime parfaitement la générosité de ma grand-mère. Je pensais souvent à elle en travaillant. Avec ce projet, je veux aussi honorer toutes les générations de femmes qui n’ont pas reçu la reconnaissance qu’elles méritaient pour leur travail.

Si vous connaissez une femme canadienne, disparue depuis longtemps, sur laquelle vous voudriez que la lumière soit faite, dites-le-moi. J’aimerais la connaître. Peut-être y aura-t-il quelques maisons de plus dans mon village de maisons lumineuses !

Hiatus

(texte français ci-dessous)

Six months ago, I decided to take time off from the juggling act of handling the many different streams of my art practice to perhaps make choices. I also wanted to find fresh ways to address environmental issues while working in a large format.

The challenge for an artist working in sculpture is to constantly be thinking of the physical context of the work. Where is it going to go? How much will it cost to produce? How would it travel? How can it fit in the exhibiting context? This is added to the already full list of self-imposed criteria. Pursuing my journey in exploration of nature, discovering ways to work in a large format, integrating text and graphics in textiles are only a few things on that list.

There are also a lot of questions that come as I get older. I wanted to let go, if only for a while, of the small works and light boxes to work exclusively on sculptural installations. More importantly, I had to revisit my commitment to the environment in my work. I felt the weight of the topic of climate change and wanted to get a more personal connection to the issues.

Suddenly, a healing memory resurfaced: the image of a canoe ride on a lake with my father, on a perfectly still lake in the fall. Not only did it become the anchor needed to build a new series, it also explained my fascination for the use of mirror image in my compositions in the last fifteen years.

Trusting the process, I let myself work with it, hoping that many other pieces of the creative puzzle would come together. I surrendered myself to the playful work of textiles, enjoying all the steps, from sourcing used garments in thrift stores to sewing buttons and piercing patterns for hours. Bit by bit, it all came together.

“Lac Sainte-Marie” became the first and largest of a series of three 3D textile pieces. This 11 panel installation has a variable geometry, the preferred one being an 8’ circle in the middle of the room. On one side there is a blue forest and on the other the perfect reflection of a lake in the Laurentians.

 Then, I pursued with “Vanishing Ice”, a 6 panel installation set in a wave formation. Here, I used all the graphic research of a previous installation of the same name. I used the mirror-image of iconic glaciers as tattoo-like marks on female silhouettes. This made the issue of climate change more personal for me than in its previous incarnation.

Finally, “Elements” came about. This smaller 4 panel piece is the combination of an advanced decorative use of pattern in fabric burning and the female form. Always playing with the negative space in my composition, I used triangle shapes appearing between the straight and folded legs of the figures. They represent air, water and land, encasing life forms as pierced patterns in fabric. The endangered barn swallow and threatened Pacific salmon are filling the two top figures. Cedar bows fill the bottom figure, symbolizing the earth.

Taking the time to do a large body of work without funding or promise of exhibition is an absolute privilege, one the many privileges that I have.

For better or for worse, my art practice comes from a life where no trauma, personal, generational or historical, has taken place. I am keenly aware of this fact as I progress in art and the balance of representation in contemporary art is shifting. If I get a chance to share my art in the future, my voice should be only one in the chorus of the multitude whose time has come to be heard.

Hiatus

23 février 2017

Il y a six mois, j’ai pris une pause pour réévaluer et réajuster tous les aspects de ma pratique artistique. L’équilibre était rompu et certains choix devaient être revus. Je désirais découvrir de nouvelles manières d’aborder les enjeux environnementaux, tout en continuant à travailler sur de grands formats.

En sculpture, le défi consiste à considérer le contexte physique de l’œuvre, comme le lieu de diffusion, le coût et le transport, avant même sa création. Il s’ajoute à ma longue liste de contraintes. Je poursuis une démarche de recherche sur le thème de la nature, en intégrant du texte et du graphisme au textile, dans un format architectural.

Avec la maturité viennent les questionnements. Heureusement, les priorités se recentrent naturellement afin de se concentrer sur l’essentiel. Je décidai alors de laisser les petites pièces et les boîtes lumineuses de côté temporairement pour me consacrer exclusivement à l’installation sculpturale. Je dus aussi évaluer mon engagement environnemental dans mon travail artistique. Je sentis le poids du sujet et je cherchai instinctivement un moyen plus personnel d’aborder les changements climatiques.

Soudainement, un souvenir apaisant m’est revenu à l’esprit; l’image d’une balade en canoë avec mon père sur un lac parfaitement calme à l’automne. Non seulement cette évocation m’a servi de point d’ancrage pour créer une nouvelle série, mais elle m’a également permis de comprendre ma fascination pour l’utilisation de l’image miroir dans mes compositions au cours des quinze dernières années.

Confiante, je me laissai porter par le processus créatif en espérant que les autres pièces du casse-tête s’assemblent naturellement. Savourant chaque étape de la démarche, je m’abandonnai au travail ludique du textile. Tout fut un plaisir, en commençant par les visites dans les friperies jusqu’aux longues heures passées à assembler et perforer les pièces de vêtements récupérés.

LAC SAINTE-MARIE est maintenant la plus grande et la première d’une série de trois œuvres textiles en trois dimensions. Cette installation composée de onze panneaux présente une géométrie variable. Ma configuration privilégiée étant le cercle, je le situai au milieu de la pièce et lui donnai une circonférence de huit pieds. D’un côté, on aperçoit une forêt bleue et, de l’autre, le reflet parfait d’un lac dans les Laurentides, mon souffle créateur !

Je créai ensuite une pièce intitulée GLACES EN FUITE. Cette installation est composée de six panneaux en forme de vague. Pour ce faire, je repris la recherche graphique d’un projet antérieur portant le même nom. L’image miroir de grands glaciers couvre des silhouettes féminines comme des tatouages, ce qui rend mon message sur le réchauffement climatique plus personnel.

Finalement, ELEMENTS a vu le jour. Cette œuvre plus petite, composée de quatre panneaux où j’utilise la technique de brûlage de tissu et combine des motifs décoratifs et des formes féminines. Jouant avec l’espace négatif dans ma composition, j’ai utilisé des formes triangulaires apparaissant entre les jambes droites et pliées des personnages. Les trois triangles symbolisent l’air, l’eau et la terre, capturant ainsi des motifs brodés qui évoquent diverses formes de vie. L’hirondelle rustique, espèce en voie de disparition, et le saumon du Pacifique, espèce menacée, occupent les deux personnages du haut. Le personnage du bas, lui, est rempli avec des branches de cèdre, évoquant la terre.

Je peux me permettre de prendre le temps de développer un grand projet sans financement ni promesse d’exposition, ce qui constitue l’un de mes nombreux privilèges.

Pour le meilleur ou pour le pire, ma pratique artistique découle d’une vie qui n’a été marquée par aucun traumatisme, qu’il soit d’ordre personnel, générationnel, culturel ou historique. Enfin, la représentation et participation de divers groupes change la scène artistique. Si j’ai l’occasion de partager mon art à l’avenir, je souhaite que ma voix ne soit qu’une parmi toutes celles qui méritent d’être entendues.

Have Art: Will Travel!

Welcome you to my new website! Change is in the air.  In the spirit of innovation and renovation, here are a few new things this spring:

The complete selection of small format light sculptures for windows: Choose an existing design or have one created specially for you.  At $60 each, they make great gifts that can be mailed to you.

I am making the transition to LED technology with the light boxes.  Experimentation is in progress and I will be sharing images soon.

With the installations, my commitment to environmental issues continues. “Vanishing Ice” is my second series about climate change since “Hot Spot” (see photos and texts in the gallery section). I am now only using recycled materials for all my sculptural installations. Being passionate about light, I always use translucent materials in combination with electrical or natural light. Now, “light” also means “lightweight”, as I will continue to develop new ways to make large foldable pieces that can travel. I have been dreaming about exhibiting abroad and have the goal of doing it within five years.

This month I also finished a community-based public art temporary installation on a fence in downtown Chilliwack. This series of giant welded wire and fabric flowers brings awareness about mental health just in time for Mental Health Week, May 4-10. Come and see it before mid-July or look at the statement, photos and media links in the gallery section of the website.  I found the experience very enriching and intend to present ideas locally for future projects. Shining a light on groups and issues that deserve attention while stimulating the creation of public art in our community is an exciting challenge.